『生日快樂~夏卡爾的愛與美』特展
2011/2/26 ~ 2011/5/29
活動網址:http://qing.ishow.gmg.tw/
展覽時間:2011年2月26日至5月29日。週一不休館。
展覽地點:國立故宮博物院 圖書文獻大樓特展室
預約100年的春天 幸福度破表的邂逅
馬克.夏卡爾(Marc Chagall,1887~1985)是帶來夢想與愛的藝術使者。
超現實主義者奉他為先驅,畢卡索稱讚夏卡爾是「20世紀最擅長用色彩的藝術家」,夏卡爾則說:「愛就是全部,是一切的開始。」
民國100年2月26日至5月29日,充滿愛與美的春天,歡迎來故宮邂逅夏卡爾的浪漫,「生日快樂─夏卡爾的愛與美」讓我們幸福到飛起來!
2011年1月11日 星期二
2011年1月6日 星期四
2011台灣國際藝術節---戶外開幕演出(02.12;兩廳院)
2011台灣國際藝術節---戶外開幕演出
曾在世界盃和愛丁堡藝術節演出,且在世界各地表演超過400場次的法國知名街頭戶外表演團體─不具名劇團(Quidams)將帶來代表作《聲色飛揚》 L'Envolee Chromatique。同台較勁者為雙十國慶、台北燈節、國際民俗藝術節中表現搶眼頻頻大放異彩的鴻勝醒獅團;以及連續三年榮獲台南市傑出團音樂類首獎、並以專輯《鼓之島》入圍美國葛萊美獎、美國獨立音樂大獎的十鼓擊樂團。不斷推陳出新、屢屢令人驚艷的醒獅陣容,多彩多姿的打擊樂演奏,以及神秘詭譎的精靈儀式,一波波如海浪般動盪人心。在2011年台灣國際藝術節的開幕之夜,將帶給觀眾多元的視聽感受元素,同時體驗台、法不同的文化面貌,值得全家大手拉小手一同來觀賞。
演出者:十鼓擊樂團、鴻勝醒獅團、法國不具名劇團
※下午3點起另有其他街頭互動表演:法國不具名劇團《音樂家日記》及《波普踩街》、無雙樂團
曾在世界盃和愛丁堡藝術節演出,且在世界各地表演超過400場次的法國知名街頭戶外表演團體─不具名劇團(Quidams)將帶來代表作《聲色飛揚》 L'Envolee Chromatique。同台較勁者為雙十國慶、台北燈節、國際民俗藝術節中表現搶眼頻頻大放異彩的鴻勝醒獅團;以及連續三年榮獲台南市傑出團音樂類首獎、並以專輯《鼓之島》入圍美國葛萊美獎、美國獨立音樂大獎的十鼓擊樂團。不斷推陳出新、屢屢令人驚艷的醒獅陣容,多彩多姿的打擊樂演奏,以及神秘詭譎的精靈儀式,一波波如海浪般動盪人心。在2011年台灣國際藝術節的開幕之夜,將帶給觀眾多元的視聽感受元素,同時體驗台、法不同的文化面貌,值得全家大手拉小手一同來觀賞。
演出者:十鼓擊樂團、鴻勝醒獅團、法國不具名劇團
※下午3點起另有其他街頭互動表演:法國不具名劇團《音樂家日記》及《波普踩街》、無雙樂團
2011年1月2日 星期日
蒙娜麗莎會說話-世界經典藝術魔幻展(台灣科博館, 1/15-4/17)
科技加藝術 蒙娜麗莎有話說 |
| ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ |
【聯合報╱記者王維玲/台北報導】
|
一向神秘的蒙娜麗莎居然會開口說話,娓娓訴說她的故事?還可走入梵谷名畫「星空下的咖啡館」裡品嘗咖啡。台灣科學教育館引進「蒙娜麗莎會說話」特展,讓經典藝術作品「動起來」。 |
|
科教館將在明年一月舉行「蒙娜麗莎會說話」經典藝術魔幻展,是國內首次結合藝術與影像互動的展覽,透過多媒體技術,將達文西、梵谷、克利、米開朗基羅等大師的名畫轉化成多媒體藝術作品,透過2D或3D技術互動,讓民眾欣賞名畫時,不必再忍受冗長沈悶的導覽。 |
|
在展覽中,民眾可看到達文西親自解說講解透視法,讓人彷彿穿越時空,親臨現場;也可與蒙娜麗莎揮手問答,但若遇到電腦設定以外的問題,蒙娜麗莎就會沈默,僅以那抹「神秘的微笑」作為回應。 |
|
科教館表示,展覽共規畫「遠古的奧秘」、「人神的對話」、「光影捉迷藏」、「動感的藝術」、「藝想新世界」五大展區、全像術立體劇場和觀眾互動體驗區;其中全像術立體劇場不需戴3D眼鏡就可欣賞。 |
|
特別的是,展覽還特別跟伊林模特兒經紀公司合作,美豔的女神維納斯由林又立配音,黃志瑋則化作阿波羅太陽神,讓多媒體藝術作品更活潑生動。 |
|
為了讓觀眾能進一步體驗藝術,主辦單位還規畫「我是大畫家」觀眾互動體驗區,民眾可輕鬆運用數位電腦作畫,畫作完成後,就會立即上傳至互動展區投影出來,還可寄到自己的電子信箱,相當有趣。 |
| 展期從明年一月十五日至四月十七日,相關訊息可上官網http://www.aliveart.com.tw。
|
>
2010年9月30日 星期四
永遠的他鄉-高更(2010.11.27-2011.02.20)

保羅.高更傳奇的一生,為了追求遠方的呼喚,不惜頃家蕩產遠渡他鄉,企圖走出西方繪畫的新格局,謂為現代藝術的啟蒙大師。高更畫作色彩濃烈,在他超越時代的美學構圖下,卻有散發出無盡的詩意與靜謐的憂傷。本展係台灣首次策劃之高更個展,展覽作品將從歐洲、美國、日本等十多所美術館、基金會及私人藏家商借50餘件高更的油畫、版畫、紙上作品、銅雕及木刻等,希望呈現高更在他戲劇化的人生中,各種藝術風格的轉折與創新,不僅掀開歐洲藝壇的原始藝術風潮,呈現西方文化逐漸消逝的生命力,也與其綜合主義作品共同寫下他在西方藝術史的重要地位。咸認高更留給二十世紀的最重要貢獻,是解放形體與色彩的限制。本展為強調高更把下一代從自然主義束縛中解放出來的影響力,同時也展出受到高更所啟發與影響的布列塔尼地區畫家如阿凡橋派及那比派等16位藝術家約25件作品,藉由這些追隨者的作品,來瞭解高更如何透過自己與畫派對後世如野獸主義與表現主義不可磨滅的影響與貢獻。
2010年9月23日 星期四
法語電影"交響人生"
最感人的人生樂章,激勵人心媲美【貧民百萬富翁】,羅馬影展映後全場起立鼓掌超過三分鐘。
30年前,安德烈是俄羅斯首席歌劇院的指揮家,因為政治因素淪為歌劇院的清潔工。30年後,安德烈在打掃時無意間發現來自巴黎的演出邀請。想要重新站上指揮台的他,決定召集一群雜牌軍組成管弦樂隊,他要前進巴黎完成當年的夢想!
30年前,安德烈是俄羅斯首席歌劇院的指揮家,因為政治因素淪為歌劇院的清潔工。30年後,安德烈在打掃時無意間發現來自巴黎的演出邀請。想要重新站上指揮台的他,決定召集一群雜牌軍組成管弦樂隊,他要前進巴黎完成當年的夢想!
2010年7月25日 星期日
數位之手:繪畫、素描、拍攝、數位操作 (2010.07.10-10.17;台中國美館)

策展人:Dominique Paini
協同策展人:林志明
隨著數位攝影及剪輯工具的普及,許多藝術家紛紛選擇以錄像或是動畫作為其藝術實踐之手段;帶有強烈「手操作」性格的素描或繪畫,亦始終為眾多藝術家構思及展現其創意靈感的主要方式之一。以此為開端,「數位之手:繪畫、素描、拍攝、數位操作」展所欲探討的是當「數位」和「手繪」這兩種看似平行的藝術表達方式,成為同一位藝術家的雙重創作樣態時,兩者是否將相互趨近、揉雜、交織?又將衍生出何種創新且多元的關係?
「數位之手:繪畫、素描、拍攝、數位操作」展在2008年7月首次於法國安錫展出,由法籍學者多明尼克˙巴依尼教授策展,以「手的禮讚」、「側頁與銀幕」、「全景概觀」、「雲霧與波動」、「性、不安、錄影帶」及「故事與傳說」六個面向分別探討,企圖呈現當代藝術家如何透過素描/ 繪畫及拍製動態影像兩途徑,將腦海中的構想及思維「描繪」而出,構成某種當代藝術創作傾向之一致性與歧異性,同時對這樣的思考及實踐過程提出「當代描繪disegno:繪畫及攝錄像」的概念。
在這個影像可快速擷取、變造的數位時代中,部分台灣藝術家亦有類似的創作傾向。他們在熟稔數位創作工具的同時,也運用傳統繪畫媒材來實踐其藝術思維。在法國在台協會的促成下,本館得以將此展引介至國人面前,並邀請三位台灣藝術家:姚瑞中、王俊傑及王雅慧與十九位法國藝術家共同展出,呈現近兩百件手繪及動畫/錄像作品,期待透過此展的對照、呼應與探討,激盪出更豐富的論述觀點與藝術交流之可能。
「數位之手:繪畫、素描、拍攝、數位操作」,對創意被具體、形象化的過程提出全新觀點的理解,並將藝術從靜態發展到動態之間的轉折和深具意義的段落,細緻描繪。期待此展能帶領觀眾一探當前法國當代/數位藝術的發展樣貌。
馬內到畢卡索-費城美術館經典展(2010.06.26-09.26;北美館)

成立於1876年的費城美術館擁有近22萬5千件藝術史上的代表性藏品,從中世紀及文藝復興時期的繪畫與雕塑、中國瓷器、建築裝置到當代藝術作品,其中又以豐富的印象派及後印象派藏品,以及畢卡索及馬諦斯的收藏著稱,另藏有諸多美國本土畫家的作品。是美國重要文化地標之一。其對藝術史研究極具創新思維,在當代藝術策展理念表現上也十分亮眼,曾兩度獲得策畫威尼斯雙年展美國館的殊榮。此次交流將成為北美館首度與美國重量級美術館的難得合作紀錄。本次展覽以藝術史的軸線來看費城美術術館經典收藏,同時也可透析美國慈善家與美術館典藏的脈絡與風格。展出包括馬內、竇加、畢沙羅、莫內、雷諾瓦、塞尚、梵谷、高更、羅丹、馬諦斯、畢卡索、夏卡爾、莫迪里亞尼、米羅、杜象、歐姬芙等58件油畫與雕塑作品,實屬重量級的藝術饗宴。
台北光點<藝識形態>影展(2010.08.06-09.09)
冒著不純的危險
電影是一種「不純」的藝術,它一直無法擺脫向戲劇、攝影、音樂…等其他藝術借用語言的命運。正是因為它的不純,缺乏完全獨立的特質,以致打從電影誕生開始,它是不是一門藝術就一直是爭論不休的議題。不純,因此在某種程度下,成了電影的原罪。但有理論家認為(尤其是以法國哲學家為首,例如:André Bazin、Alain Badiou、Jacques Rancière…等,一再接力闡述的概念),正是這種不純的特性,使得電影在各種藝術當中獨樹一幟,甚至認為它就是藝術的「現代性」當中最明顯的特徵。但問題來了,當電影要拍其他藝術時,不純的電影如何去拍其他「純」的藝術?它如何能拍到藝術最純的部分,也就是與透明的形式合為一體的主旨,藝術之所以是藝術的「意念」?或者換個方式問,一個電影導演如何拍另一位藝術家以另一種媒介來創作?他是否可能拍到這個藝術家正在發展中的概念,同時,經由這個過程,向我們揭露電影本身「不純」的特性?
早在Andre Bazin討論電影做為一種不純的藝術時,他舉的例子便是Henri-Georges Clouzot的《畢卡索之謎》。只不過他當時的論點停留在影片中戲劇元素與真實的對立關係,用以強調電影的跨越性質來證明它的不純。但事實上, Clouzot只是在時間上稍微做假,以底片長度有限為由,和攝影機上計數器跳動的影像,用希區考克常用的手法催化觀眾的緊張情緒,以此突顯時間在觀看過程的重要性。影片的拍攝方式像是在畢卡索的腦部架上一部顯微鏡,讓我們清楚看到,整個繪畫過程其實是一種畫家想要觸碰腦海中影像之欲望的發洩過程。畢卡索要畫一幅畫之前,腦海裡的影像其實是不明確的,正是這種欲望把他最初想畫的影像「弄髒」、「使不純」…,最後定格為我們所謂的圖畫。影片證明繪畫其實也是一種不純的藝術,而且是以電影特有的能力(對時間的裁切與延遲),只不過它被完成時的平衡與安定感,讓我們誤以為看見畫家清澈的意念。
近半個世紀以來,藝術的演變經歷了前所未見的大反轉,藝術家大多已捨棄對「純」的追求,無論是在媒材或意念上都是如此。我們已經正式進入不純的年代,「跨界」已經蔚為主流。只是,正當我們期待看到藝術因雜交、混血而百花齊放時,稍微鬆懈而沒跟上潮流,世界就又悄悄改變。接著,僅就視聽藝術而言,影片、錄影帶、CD、VCD、DVD…都即將消失,取而代之的是MP3與下載,是雲端傳輸與20M上網。載體隱退,速度愈來愈快,純度似乎已被速度與產業所取代。現在最流行的理論已經是產、官、學界合作,是跨界融合的文化創意產業…。但,不純的意義已正在遺失,我們可以預見的將來是,當跨界已經變成「並置」或「混搭」,後現代理論常用的「模仿」與「挪用」就已失去它的革命性格,也就是失去它的藝術性。
透過電影,我們看到畢卡索冒著不純的危險,冒著失去自我的可能。他意識到鏡頭的存在,不停地擦去、修改、塗抹,他知道繪畫是結束(影片結尾他這麼說),而電影卻是過程。電影的不純,終究還是具有催化作用,他讓畢卡索無法只是畫「會動的畫」,而是畫「思考的律動」。意念一旦點燃,彷彿脫韁的野馬,《畢卡索之謎》已不是電影,也不是繪畫,甚至不是電影與繪畫的並置。所以,不純是一種冒險,而不是一種狀態,這就是關於藝術的影片為什麼會那麼迷人的原因。最後,這是一個國民戲院與公視「藝識形態」合作的節目。一個影展和一個電視節目的混合,又會把什麼樣不純的因子帶給對方?它是一項單純的節目並置?或是一種冒著不純的危險?
(轉載自"台北光點"官網)
電影是一種「不純」的藝術,它一直無法擺脫向戲劇、攝影、音樂…等其他藝術借用語言的命運。正是因為它的不純,缺乏完全獨立的特質,以致打從電影誕生開始,它是不是一門藝術就一直是爭論不休的議題。不純,因此在某種程度下,成了電影的原罪。但有理論家認為(尤其是以法國哲學家為首,例如:André Bazin、Alain Badiou、Jacques Rancière…等,一再接力闡述的概念),正是這種不純的特性,使得電影在各種藝術當中獨樹一幟,甚至認為它就是藝術的「現代性」當中最明顯的特徵。但問題來了,當電影要拍其他藝術時,不純的電影如何去拍其他「純」的藝術?它如何能拍到藝術最純的部分,也就是與透明的形式合為一體的主旨,藝術之所以是藝術的「意念」?或者換個方式問,一個電影導演如何拍另一位藝術家以另一種媒介來創作?他是否可能拍到這個藝術家正在發展中的概念,同時,經由這個過程,向我們揭露電影本身「不純」的特性?
早在Andre Bazin討論電影做為一種不純的藝術時,他舉的例子便是Henri-Georges Clouzot的《畢卡索之謎》。只不過他當時的論點停留在影片中戲劇元素與真實的對立關係,用以強調電影的跨越性質來證明它的不純。但事實上, Clouzot只是在時間上稍微做假,以底片長度有限為由,和攝影機上計數器跳動的影像,用希區考克常用的手法催化觀眾的緊張情緒,以此突顯時間在觀看過程的重要性。影片的拍攝方式像是在畢卡索的腦部架上一部顯微鏡,讓我們清楚看到,整個繪畫過程其實是一種畫家想要觸碰腦海中影像之欲望的發洩過程。畢卡索要畫一幅畫之前,腦海裡的影像其實是不明確的,正是這種欲望把他最初想畫的影像「弄髒」、「使不純」…,最後定格為我們所謂的圖畫。影片證明繪畫其實也是一種不純的藝術,而且是以電影特有的能力(對時間的裁切與延遲),只不過它被完成時的平衡與安定感,讓我們誤以為看見畫家清澈的意念。
近半個世紀以來,藝術的演變經歷了前所未見的大反轉,藝術家大多已捨棄對「純」的追求,無論是在媒材或意念上都是如此。我們已經正式進入不純的年代,「跨界」已經蔚為主流。只是,正當我們期待看到藝術因雜交、混血而百花齊放時,稍微鬆懈而沒跟上潮流,世界就又悄悄改變。接著,僅就視聽藝術而言,影片、錄影帶、CD、VCD、DVD…都即將消失,取而代之的是MP3與下載,是雲端傳輸與20M上網。載體隱退,速度愈來愈快,純度似乎已被速度與產業所取代。現在最流行的理論已經是產、官、學界合作,是跨界融合的文化創意產業…。但,不純的意義已正在遺失,我們可以預見的將來是,當跨界已經變成「並置」或「混搭」,後現代理論常用的「模仿」與「挪用」就已失去它的革命性格,也就是失去它的藝術性。
透過電影,我們看到畢卡索冒著不純的危險,冒著失去自我的可能。他意識到鏡頭的存在,不停地擦去、修改、塗抹,他知道繪畫是結束(影片結尾他這麼說),而電影卻是過程。電影的不純,終究還是具有催化作用,他讓畢卡索無法只是畫「會動的畫」,而是畫「思考的律動」。意念一旦點燃,彷彿脫韁的野馬,《畢卡索之謎》已不是電影,也不是繪畫,甚至不是電影與繪畫的並置。所以,不純是一種冒險,而不是一種狀態,這就是關於藝術的影片為什麼會那麼迷人的原因。最後,這是一個國民戲院與公視「藝識形態」合作的節目。一個影展和一個電視節目的混合,又會把什麼樣不純的因子帶給對方?它是一項單純的節目並置?或是一種冒著不純的危險?
(轉載自"台北光點"官網)
Robert Lepage之《眾聲喧嘩》(2010.08.21-28;台北市社教館城市舞台)
今年必看的鉅作……任何一位認真的劇場觀眾,都應該去搶一張票。 ---多倫多星報
這是一部令人驚心、感傷、歡鬧、無法言喻的美麗作品。……非看不可。---英國獨立報
7年探索,一氣呵成勒帕吉最豪氣動人的作品
舞台8小時,催醒一個跨越歐美兩洲的糾結記憶
城市新地標 語言成功取代建築
愛戀在聲音、影像與裝置的爭寵中找到盲點
出走成璀燦孤傲的閃亮星辰。
沒有人比羅伯.勒帕吉,更會在舞台上講故事。這次,在最拿手的舞台裝置、流動場景以及影像巧思之外,他成功挑戰聲音,並證實了聲音是人類表達情緒的唯一途徑。
從幕起的嬰兒哭聲開始,一路透過各式語言,以及如電話、收音機、錄音軌、默片、錄放音機、同步收音、對嘴歌聲、合成音、超自然聲音、迷幻聲音、語言治療等眾多元素,在近8個半小時的演出中,藉由優秀的9位主角,勒帕吉從容穿插並揭露9段溫馨感人的故事。從對人口販售的批判到尋找親情認同的悲憫,從歌劇紅伶床榻追蹤社會集體意識的偏差,每個單一命運,無法逃脫地重疊在集體共同歷史上;像開展一幅巨型卷軸,尚未揭露的真相,熟練地將陷阱偽裝,在遠方靜待獵物入囊。
故事在演員各自敘述的自我片段中流洩,橫跨歐美兩洲4個國家、歷經了70個年頭,時而淙淙悅耳、時而激情澎湃。勒帕吉創作史詩般的宏大作品,這不是第一次,卻是最具未來感,又最令人玩味的一次。
這是一部令人驚心、感傷、歡鬧、無法言喻的美麗作品。……非看不可。---英國獨立報
7年探索,一氣呵成勒帕吉最豪氣動人的作品
舞台8小時,催醒一個跨越歐美兩洲的糾結記憶
城市新地標 語言成功取代建築
愛戀在聲音、影像與裝置的爭寵中找到盲點
出走成璀燦孤傲的閃亮星辰。
沒有人比羅伯.勒帕吉,更會在舞台上講故事。這次,在最拿手的舞台裝置、流動場景以及影像巧思之外,他成功挑戰聲音,並證實了聲音是人類表達情緒的唯一途徑。
從幕起的嬰兒哭聲開始,一路透過各式語言,以及如電話、收音機、錄音軌、默片、錄放音機、同步收音、對嘴歌聲、合成音、超自然聲音、迷幻聲音、語言治療等眾多元素,在近8個半小時的演出中,藉由優秀的9位主角,勒帕吉從容穿插並揭露9段溫馨感人的故事。從對人口販售的批判到尋找親情認同的悲憫,從歌劇紅伶床榻追蹤社會集體意識的偏差,每個單一命運,無法逃脫地重疊在集體共同歷史上;像開展一幅巨型卷軸,尚未揭露的真相,熟練地將陷阱偽裝,在遠方靜待獵物入囊。
故事在演員各自敘述的自我片段中流洩,橫跨歐美兩洲4個國家、歷經了70個年頭,時而淙淙悅耳、時而激情澎湃。勒帕吉創作史詩般的宏大作品,這不是第一次,卻是最具未來感,又最令人玩味的一次。
《史迪夫特的事物》(2010.08.11-15;台北啤酒工場347成品倉庫)
管他是什麼?太棒了! -- 英國每日電訊
無人的演出,讓你習慣
人類不再是天地的主宰,不再是萬物之靈
靜如先知,19世紀浪漫主義詩人史迪夫特
早預言,人類任性拋棄自然後的狼狽
深若禪師,當代音樂與劇場大師郭貝爾
彈指間,五架鋼琴召喚百年穹蒼下的圖像與聲音
集結在劇場,瞬間融變成無可逼視的定靜力量
這次,人類完全退位。音樂劇場大師郭貝爾以事物(things)為中心─在一般劇場裡,事物通常是道具或佈景─將風和霧、水和冰、光與影、呢喃、聲響、人聲、速度與呼吸,都變成主角。他為五台鋼琴譜曲、卻沒有安排演奏者;他處心積慮,精心設計了機械裝置,只為進行一場音樂與圖像、文學與哲思的無人表演。但這是一個邀請,邀請觀眾更專注於去「看」、去「聽」─聽見落雪與巴哈一樣動人,看見氤氳、樹影與巴布亞紐幾內亞的原住民吟詠,完美結合。
19 世紀德國浪漫作家阿道伯.史迪夫特用一個畫家的眼睛寫作,他詳實地記載與描述大自然,也曾描述工業發展對大自然的侵害。他的文字,迫使讀者放慢速度,關心細節─他已被視為「環保先知」、「慢活始祖」。在現今自然與人類重整出發的關鍵時刻,郭貝爾用史迪夫特的事物觀,巧妙運用工業革命後的機械裝置,結合人類思想文明與多元文化原始而美好的音樂元素,重組人類視覺與聽覺秩序,是一聲聲令人動容的暮鼓晨鐘。
無人的演出,讓你習慣
人類不再是天地的主宰,不再是萬物之靈
靜如先知,19世紀浪漫主義詩人史迪夫特
早預言,人類任性拋棄自然後的狼狽
深若禪師,當代音樂與劇場大師郭貝爾
彈指間,五架鋼琴召喚百年穹蒼下的圖像與聲音
集結在劇場,瞬間融變成無可逼視的定靜力量
這次,人類完全退位。音樂劇場大師郭貝爾以事物(things)為中心─在一般劇場裡,事物通常是道具或佈景─將風和霧、水和冰、光與影、呢喃、聲響、人聲、速度與呼吸,都變成主角。他為五台鋼琴譜曲、卻沒有安排演奏者;他處心積慮,精心設計了機械裝置,只為進行一場音樂與圖像、文學與哲思的無人表演。但這是一個邀請,邀請觀眾更專注於去「看」、去「聽」─聽見落雪與巴哈一樣動人,看見氤氳、樹影與巴布亞紐幾內亞的原住民吟詠,完美結合。
19 世紀德國浪漫作家阿道伯.史迪夫特用一個畫家的眼睛寫作,他詳實地記載與描述大自然,也曾描述工業發展對大自然的侵害。他的文字,迫使讀者放慢速度,關心細節─他已被視為「環保先知」、「慢活始祖」。在現今自然與人類重整出發的關鍵時刻,郭貝爾用史迪夫特的事物觀,巧妙運用工業革命後的機械裝置,結合人類思想文明與多元文化原始而美好的音樂元素,重組人類視覺與聽覺秩序,是一聲聲令人動容的暮鼓晨鐘。
訂閱:
文章 (Atom)